An interpretation of the history of mural painting from ancient Egypt to the twentieth century by one of most eminent art historians of all time, a writer who wielded huge influence over both his professional peers and a vast popular readership.
Druhý svazek Gombrichových studií o renesanční době a umění spojuje antologie Apellův odkaz a Staří mistři v novém světle. Název prvního souboru, Apellův odkaz (The Heritage of Apelles, 1976), připomíná nejslavnějšího malíře starověkého Řecka, který prý ve svých dílech spojovaldokonalou krásu s nedostižnou dovedností, s níž zachycoval vzezření přírody. Tento dvojí ideál dokonalé krásy a dokonalého napodobení přírody, zděděný z antiky, přetrvával až do dvacátého století a je východiskem poučených a inspirativních studií v tomto souboru, věnovaných otázkám tradice, hodnot a standardů, i konkrétněji pracovním metodám Leonarda da Vinci či malířským technikám zachycování lesku a světla. Druhá část knihy, antologie Staří mistři v novém světle (New Light on Old Masters, 1986), se pak zaměřuje na jednotlivé tvůrce, nově zkoumá dobové texty a dokumenty a objevně interpretuje díla mistrů, jak byli Giotto, Leonardo da Vinci, Raffael, Giulio Romano či Michelangelo. Gombrichovy eseje zůstávají dodnes vzorem kvalitního psaní o historii výtvarného umění. Soubor O renesanci 2 vychází opět v překladu Martina Pokorného. Vydání knihy podpořilo Ministerstvo kultury České republiky.
První svazek souboru O renesanci spojuje dvě klasické knihy esejů o renesančním umění. V první z nich, pojmenované Norma a forma, je shromážděno jedenáct studií věnovaných zásadním otázkám stylu, vkusu, patronace, pracovních metod a teorií umění, které autor vykládá se svou příznačnou erudicí a srozumitelností. Tyto eseje jsou povinnou četbou pro všechny, kdo se o renesanci zajímají, a bezpochyby budou přínosem pro každého, kdo si přeje lépe se orientovat v jedné z nejtvořivějších etap západního umění. Druhou část knihy zaujímá soubor Symbolické obrazy, v němž se E. H. Gombrich věnuje stěžejnímu tématu symbolického zobrazování. Knihu otevírá badatelský úvod o „Cílech a omezeních ikonologie“, po kterém následují podrobné studie o Boticellim, Mantegnovi, Rafaelovi, Poussinovi a dalších. Svazek uzavírá rozsáhlé pojednání o filozofických přístupech k symbolice, které ukazuje, že myšlenky, které zaměstnávaly renesanční filozofy, jsou živé dodnes. Stejně jako v případě Normy a formy jde o soubor nezbytný pro všechny, kdo se zabývají renesančním uměním a myšlením; je to práce, která napomáhala utváření vědní disciplíny dějiny umění. A jelikož se zde autor neustále zabývá problematikou norem, hodnot a metod, jde zároveň o úvod k fundamentálním otázkám spojeným s interpretací obrazů obecně.
Discusses the way shadows were represented - or ignored - by artists from the Renaissance to the 17th century and then describes how Romantic, Impressionist and Surrealist artists exploited the device of the cast shadow to enhance the illusion of realism or drama in their representations.
Exploring the interplay between social dynamics and art, this volume delves into how supply and demand influence artistic direction. It examines the 'ecology' of images and the concept of 'feedback,' highlighting how skill development can create new demands. Additionally, the book addresses the use and potential misuse of images as historical evidence, providing a comprehensive analysis of the factors shaping the art world.
Exploring this elusive and often controversial subject, Umberto Eco, Sir Ernst Gombrich, and others contributes essays and reflections on the meaning of time.
Poutavě napsané dějiny od světově proslulého historika, autora slavného „Příběhu umění“, kterému se podařila vzácná věc: o složitých historických událostech hovoří srozumitelně, ale přitom fundovaně.
Over the last half century Henri Cartier-Bresson has photographed some of the most famous icons of the twentieth century, those few people among millions whose images pass into history. Tete a Tete is a remarkable arrangement of his most memorable portraits, including Pablo Picasso, Truman Capote, Marilyn Monroe, Lucien Freud, William Faulkner, Robert Kennedy, Che Guevara, Martin Luther King Jr., Coco Chanel, and the Dalai Lama. Beyond these famous names there are also anonymous portraits, chosen for their striking and unusual features, and a selection of pencil drawings, including a self-portrait. Cartier-Bresson supervised the design of the book and the juxtaposition of all the photographs. The result is a distinguished collection of his work, diverse in its range of extraordinary and ordinary personalities from the 1930s to the 1990s. Tete a Tete reveals Cartier-Bresson as a photographer who is as skillful in recording the subtleties of the individual portrait as he is renowned for his masterful ability to capture the decisive moment.
Ernst H. Gombrich verwirft den Begriff der jüdischen Kultur. Das Konzept jüdischer Kunst, so zeigt er, gründet sich keinesfalls auf dem Selbstverständnis der Künstler. Es sei vielmehr ein Produkt derer, die die Kunst und Literatur von Künstlern jüdischen Glaubens oder jüdischer Herkunft diffamieren wollten: „. das Konzept einer jüdischen Kultur ist eine Erfindung Hitlers und seiner Vorläufer und Nachfahren". Diese Fremddefinition führt Ernst H. Gombrich auf die Verschiebung sozialer Hierarchien im Übergang von der Feudalherrschaft zum Kapitalismus zurück. Weil Juden der Landbesitz versagt war, nahmen sie als erste die sozialen Schlüsselpositionen in Handel und Finanzwesen ein. Erst dadurch wurden sie - vor ihrer Herkunft und ihrer Nationalität - als Juden wahrgenommen. So gelingt es Ernst H. Gombrich, den jüdischen Mythos zugunsten eines humanistischen Denkens zu dekonstruieren.
Christl, Tochter des Posthalters von Erlbach, will allein auf der Hornsteinalm Ruhe und Entspannung finden, der liebevollen, aber strengen Gängelei ihrer Mutter entfliehen, das innere Gleichgewicht wiederfinden. Aber gerade das Gegenteil tritt ein: Sie begegnet dem Medizinstudenten Thomas von Lafret, einem Sohn des gefürchteten "Bauerngrafen". Betäubt vom Glück der ersten Liebe, erkennen beide nicht die Bedrohung durch die Ereignisse, die ihre Eltern in Gang setzen. Christl vertraut - bis sie eines Tages erfahren muss, dass sich Thomas mit der Fabrikantentochter Anita verloben wird.
Ernst H. Gombrich unternimmt einen Streifzug durch die Geschichte der Kunst und macht sich dabei auf die Suche nach dem jeweiligen Verhältnis zwischen jenen, die Kunst schaffen, jenen, die sie als solche definieren, und schließlich jenen, die sie ermöglichen.
Es ist auch die Geschichte der Lehr- und Wanderjahre eines großen Gelehrten: Das Leben des heute über Achtzigjährigen begann in Wien und führte ihn nach dem Studium mit dem vor den Nazis fliehenden Warburg Institut nach London. Die Zeit hat ihn als wachen Menschen geprägt, doch die Kunst war ihm die bleibende Herausforderung. Am Wissen um die Sprache der Bilder bricht die Bilderflut. Gombrich lehrt den Leser, dass den Wert der Bilder zu unterscheiden der erste Schritt aufs feste Land ist. Diese Festung des Wissenschaftlers ist nicht unzugänglich und fern: aber an ihr wurde ein Leben lang gebaut.
This collection of hard-hitting and highly readable essays reflects Gombrich's preoccupation with the central questions of value and tradition in our culture. He confronts - with characteristic incision and erudition - some of the most urgent issues that challenge today's students of art and civilization. His topics include a series of radical proposals for the reform of higher education, an assault on the notion of relativism and a heartfelt plea for the conservation of our cities, alongside thought-provoking and engaging studies of the works of Oskar Kokoschka, Abram Games, Saul Steinberg and Henri Cartier-Bresson.
A companion volume to Art and Illusion , The Image & the Eye provides a comprehensive and intriguing overview of art and our perception of its different dimensions. In a series of landmark papers and lectures, Professor Gombrich presents his thoughts and arguments on subjects as diverse as the tricks of photography with perspective, the problems of expressing emotion through art and how pictorial representation can alter the way in which we see the world. Like any work from Gombrich's vast oeuvre, these masterly pieces display a lively curiosity and an infectious enthusiasm for understanding the challenges presented by art.
Untersucht die Kunstgeschichte im weiteren Rahmen der Soziologie.
So fesselnd wie ein Roman, so kenntnisreich wie eine Enzyklopädie: Ernst H. Gombrich, einem der herausragendsten Gelehrten des 20. Jahrhunderts, gelang das Unmögliche, auf 360 Seiten die Geschichte der Menschheit prägnant und überzeugend zu schildern. 1935, im Alter von nur fünfundzwanzig Jahren, wagte er sich daran, eine Weltgeschichte für junge Leser zu schreiben, und schuf einen Klassiker. Ohne jemals langatmig zu werden, schildert er bildreich und spannend die vielschichtige Entwicklung der Menschheit von den Höhlenmenschen bis zum Ersten Weltkrieg. Ihm gelingt der große Bogen, ohne die historischen Geschehnisse zu banalisieren. Dadurch beschert das Buch dem Leser jedes Alters etwas Einzigartiges: Nach der Lektüre kann er die großen Ereignisse der Vergangenheit in einem Zug erfassen. Kat Menschik bereichert die ›Weltgeschichte‹ mit großformatigen, farbigen Bildern.
„Wie seine Zeitgenossen hatte Aby Warburg eine persönliche Vorliebe für die Florentiner Meister der Frührenaissance, er respektierte die einsame Kunst eines Rembrandts und begrüßte den Kampf der Moderne gegen die philiströse Salonkunst, aber er stellte dabei nie die überkommenen Wertmaßstäbe in Frage, die auch schon der Kunstgeschichte des 19. Jahrhunderts eigen waren. Gerade weil Warburg diese Auffassung nicht nur teilte, sondern bitter ernst nahm, erscheint er uns im Rückblick so prophetisch. Haben wir doch, wie er, den Durchbruch des Irrationalen mit all seinen schrecklichen Folgen schaudernd erlebt. Er wäre aber nicht der erste bedeutende Mensch, der zu seiner Zeit sprechen konnte, weil er die gültigen Überzeugungen der Vergangenheit nicht zum alten Eisen warf, sondern in die geänderte Lage hinüberrettete. Er vollzog diese Umschmelzung im Feuer seiner eigenen seelischen Leiden und Leidenschaften.“ Ernst H. Gombrich Gombrichs Buch ist eine „intellektuelle Biografie“ nicht nur in dem Sinne, dass sie den geistigen Werdegang Aby Warburgs schildert, sondern auch als biografische Spiegelung einer zentralen intellektuellen Problematik der ersten Jahrzehnte dieses Jahrhunderts, in denen der Zusammenbruch der überlieferten Deutungsschemata der europäischen Geistesgeschichte unübersehbar wurde.
Das Buch bietet eine erudierte und gleichzeitig breit zugängliche Theorie der dekorativen Künste. Gombrich untersucht den universellen menschlichen Drang, in Raum und Zeit Ordnung zu suchen, der sich seit jeher in kindlichen Spielen, Poesie, Musik oder Architektur, aber auch in den dekorativen Künsten zeigt. In seinem Ansatz knüpft das Buch an die Sammlung von Studien über Kunst und Illusion an, die eine originelle Theorie der bildlichen Darstellung präsentierte. Auch diesmal handelt es sich um faszinierende und inspirierende Überlegungen zu Kunst, Natur, menschlicher Psychologie und darüber, wie unser Gehirn Reize aus der Umwelt verarbeitet.
These classic studies on the interpretation of images are essential reading for all students of Renaissance art and have helped to shape the evolving discipline of art history. Many of the essays focus on the greatest artists of the Renaissance -- notably Botticelli, Leonardo, Raphael, and Michelangelo -- and all reflect the author's deep concern with standards, values, and problems of method. Gombrich never loses sight of the works of art he is investigating, bringing to all his analyses and interpretations original intelligence, clarity of expression, and immense learning. These volumes have permanent value and represent a vitally important humanistic tradition in scholarship and criticism.
In der Kunstgeschichtsschreibung wird der Begriff des Fortschritts gerne vermieden. Gombrich stellte zu Beginn der siebziger Jahre die Krise des Fortschrittsglaubens ins Zentrum seiner Betrachtung, mit dem Ziel, die verschiedenen Auffassungen des Fortschrittbegriffs zu entwirren. Er beschreibt hierbei zwei Pole: den „Primitivismus„, der nach allgemeingültiger Wahrheit sucht, und den „Modernismus“, der in fortschreitender Bewegung nur das jeweils Neueste gelten lassen will. In Kunst und Fortschritt spricht sich Gombrich gegen einen unkritischen Fortschrittsglauben aus und fordert die Prüfung des jeweils gültigen Fortschrittsbegriffs immer wieder aufs Neue – eine Forderung die seit dem 11. September 2001 aktueller ist als je zuvor. In der zweiten Hälfte der sechziger und den frühen siebziger Jahre, im Zuge eines sich insgesamt wandelnden geistigen und politischen Klimas in Deutschland forcierte der DuMont Verlag durch Herausgabe einiger ihrer wichtigsten Werke die publizistische Repatriierung und Rehabilitierung der 1933 zur Emigration gezwungenen Kunstwissenschaftler. Eine vernunftgeleitete, den Axiomen eines konsequenten Aufklärungsdenkens verpflichtete Schule, die im angelsächsischen Raum bereits wichtige Impulse gegeben hatte, kam nun auch in Deutschland wieder zu ihrem Recht.
Als eines der brillantesten Bücher der Kunstkritik beschreibt Kenneth Clark diese klassische Studie über die Bildgestaltung, die die Frage untersucht, warum Stil existiert. Professor Gombrichs Erforschung der Geschichte und Psychologie der bildlichen Darstellung führt zu einer Neubewertung von Konzepten wie der Nachahmung der Natur, der Rolle der Tradition, Abstraktion, Perspektive und Ausdruck. Diese Untersuchungen zeigen, dass die bildliche Darstellung komplex und nuanciert ist. Gombrich wendet experimentelle Wissenschaft auf die Kunst an und behandelt komplexe Ideen, während er ein Staunen über die Fähigkeit des menschlichen Gehirns und die Feinheiten der Wahrnehmung in der Kunstproduktion bewahrt. Sein profundes Wissen und seine klare Darstellung ermöglichen es ihm, jedes Argument als testbare Hypothese zu präsentieren. Die Fragen rund um die Darstellung sind grundlegend für die Kunstgeschichte und machen diesen Text unverzichtbar für alle, die die Komplexität der Kunst verstehen möchten.
A disciple of Dvorák in Vienna, of Wöllflin in Berlin, and of Warburg in Hamburg, Fritz Saxl (1890-1948) is a key figure in contemporary art historiography, particularly in the iconographic school. He was a student, collaborator, friend, and ultimately, a spiritual heir and continuator of the work undertaken.
Das im Grunde schon über jedes Lob erhabene, 1950 erstmals erschienene Standardwerk zur Kunstgeschichte erscheint in der 16. Ausgabe. Die komplizierte Editionsgerschichte des vielübersetzten Werkes mit Direktübersetzungen der englischen Ausgabe ( BA 1/79, 382) und um deutsche Künstler ergänzte Ausgaben (eine solche wurde zuletzt besprochen: BA 4/87) führte zu einem Bruch in der Auflagenzählung. Hier handelt es sich um die neueste Ausgabe, 1995 im englischen Original erschienen, direkt (von Gombrich selbst) übersetzt, wobei die Ergänzungen der letztbesprochenen Ausgabe zum Teil wegfielen. Dies wird mehr als wettgemacht durch die Erweiterungen und Aktualisierungen im Text und in der Bibliographie und das weiter verbesserte und vergrößerte Bildmaterial (mehrere Ausklapptafeln). Wer es sich nur irgend leisten kann, sollte die Neuausgabe anschaffen, auf jeden Fall gehört eine nicht zu alte Ausgabe des Titels zum Grundbestand. (1 J,S).
Z osudů světa a lidstva, od pravěku k přítomnosti. Zábavnou románovou formou podané dějiny světa pro mládež. Originální název Weltgeschichte von der Urzeit bis zur Gegenwart, rovněž vyšlo jako Eine kurze Weltgeschichte für junge Leser. Von der Urzeit bis zur Gegenwart.
