Taschen Basic Genre Reihe

Der zarte Glanz und die märchenhafte Schönheit der islamischen Kunst, die seit dem 7. Jahrhundert in den islamischen Reichen entstand, erstrecken sich von Spanien und Marokko bis zu den Grenzen Chinas. Sie trugen vor allem die Prägung von Arabern, Persern und Türken, während auch herausragende Beiträge aus Ägypten und Indien kamen. "Islamische Kunst" präsentiert bedeutende Luxuskeramiken, Gebetsteppiche, Goldschmiedekunst sowie Zeugnisse der dekorativen Kunst und Kalligrafie – insbesondere die Meisterwerke der prachtvoll bunten höfischen Buchmalerei Persiens und der Mogulkaiser Indiens. Das Buch untersucht die Beiträge der verschiedenen Länder und deren gegenseitige Einflüsse und veranschaulicht auf lebendige Weise die Entfaltung des zarten Glanzes und der märchenhaften Schönheit der islamischen Kunst von ihren Anfängen bis in die moderne Zeit.

„Arbeiten! Rausch! Gehirn zerschmettern! Kauen, fressen, schlingen, zerwühlen! wonnevolle schmerzen des Gebärens! krachen des pinsels, am liebsten Durchstoßen der Leinwände. zertrampeln der Farbtuben ...“ Max Pechstein, 1920. Der Expressionismus ist weniger ein Stil als vielmehr eine Bewegung, ein Ausdruck für das Lebensgefühl einer jungen Generation. Im frühen 20. Jahrhundert suchten die expressionistischen Künstlerinnen und Künstler - besonders in Deutschland, aber auch in anderen europäischen Ländern - elementare Erlebnisse in völlig neuer Weise zum Ausdruck zu bringen. Max Pechstein wertete Schock, Provokation, Aufbegehren der Jugend gegen das Alteingesessene als Motor des Expressionismus, der heute als eine der zentralen Bewegungen in der Kunst des 20. Jahrhunderts gilt.

„Keine Kunst ist weniger spontan als die meine. Inspiration, Spontaneität, Temperament sind mir unbekannt. Das gleiche Sujet muss man zehn, sogar hundertmal wiederholen. Nichts in der Kunst darf einem Zufall gleichen, nicht einmal die Bewegung." Edgar Degas Die Abgrenzungen zu anderen Kunstströmungen sind so verschwommen wie das Wasser der Seine, auf dem sich das Licht bricht. Das ist ein Motiv, das die impressionistischen Maler in Frankreich am Ende des 19. Jahrhunderts wiederholt darstellten. So wie das Licht von der Wasseroberfläche reflektiert wird, so stark wirkte eine kleine Gruppe Maler mit ihren gemeinsamen Ausstellungen, die in den Jahren 1874 bis 1886 stattfanden, auf ihre Umgebung. Sie beeinflussten nicht nur andere Künstler auf der ganzen Welt, sondern zeigten der bürgerlichen Gesellschaft ihrer Zeit eine neue, moderne Form des Malens und des Sehens FRÉDÉRIC BAZILLE MARIE BRACQUEMOND GUSTAVE CAILLEBOTTE MARY CASSATT EDGAR DEGAS VINCENT VAN GOGH ARMAND GUILLAUMIN WASSILY KANDINSKY MAX LIEBERMANN CLAUDE MONET BERTHE MORISOT GIUSEPPE DE NITTIS CAMILLE PISSARRO PIERRE-AUGUSTE RENOIR MEDARDO ROSSO JOHN SINGER SARGENT GIOVANNI BATTISTA SEGANTINI GEORGES SEURAT WALTER RICHARD SICKERT PAUL SIGNAC ALFRED SISLEY MAX SLEVOGT FRITZ VON UHDE FEDERICO ZANDOMENEGHI

Beginnend im 14. Jahrhundert und bis in die Gegenwart untersucht dieses Buch das Porträt anhand der bedeutendsten und beliebtesten Beispiele der Geschichte. Die vorgestellten Künstler umfassen Simone Martini, Jan van Eyck, Albrecht Dürer, Hans Holbein der Jüngere, Leonardo da Vinci, Raphael, Tizian, Parmigianino, Giuseppe Arcimboldo, Rembrandt, Peter Paul Rubens, Diego Velázquez, Jean-Honoré Fragonard, Joshua Reynolds, Thomas Gainsborough, Francisco de Goya, Jacques-Louis David, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Gustave Courbet, Édouard Manet, Vincent van Gogh, Oskar Kokoschka, Ferdinand Hodler, Pablo Picasso, Andy Warhol, Francis Bacon, Lucian Freud und Chuck Close. Jedes Buch in der "Basic Genre Series" von TASCHEN bietet eine detaillierte Einführung mit etwa 35 Fotografien sowie einen Zeitstrahl der wichtigsten Ereignisse (politisch, kulturell, wissenschaftlich usw.) aus der jeweiligen Epoche. Eine Auswahl der bedeutendsten Werke wird auf einer Doppelseite präsentiert, mit einem ganzseitigen Bild und auf der gegenüberliegenden Seite einer Beschreibung/Interpretation des Werkes sowie einer kurzen Biografie des Künstlers und zusätzlichen Informationen wie einem Referenzwerk, einem Porträt des Künstlers und/oder Zitaten.

Nach dem Rokoko findet der hohe Stil des Barock den Weg zur Leichtigkeit und Fröhlichkeit. Gefühl und Emotion überwiegen die Vernunft. Doch die galanten Feste und pastoralen Spiele, die raffinierte Eleganz und die liebevolle Idylle sind oft nur theatralische Inszenierungen und Träume von elegischer Gelassenheit, die das Bewusstsein vom verlorenen Paradies verbergen.

Die Minimal Art entstand in den 60er Jahren als Gegenrichtung zu Pop Art und abstraktem Expressionismus. Die Minimal Künstler wie Donald Judd, Sol Lewitt und andere verstanden ihre Kunstwerke in erster Linie als Objekte, ohne tieferes, erzählendes Innenleben. Anhand zahlreicher Beispiele der wichtigsten Kunstwerke wird, wie auch in den vorangegangenen Titeln der Basic Art-Epochen-Reihe, diese Kunstbewegung vor dem derzeitigen geschichtlichen, kulturellen und politischen Hintergrund vorgestellt.

Die Bruderschaft der Präraffaeliten gründete sich 1848 als Geheimbund. Die Künstler verwarfen klassische Ideale und die damals vorherrschenden Kunsttheorien und entwickelten stattdessen einen spirituelleren, naturalistischeren und persönlicheren Ansatz. Gründungsmitglieder waren William Holman Hunt, John Everett Millais und Dante Gabriel Rossetti, später kamen vier weitere Mitglieder hinzu, um eine siebenköpfige „Bruderschaft“ aus Malern, Dichtern und Kritikern zu bilden. Bewusst wandten sie sich von klassischen Kompositionen ab, für die exemplarisch Raffael stand (daher der Name). Stattdessen ließen sie sich vom Mittelalter und den schillernden Farben der italienischen Frührenaissance inspirieren. Ihre Hauptthemen waren ursprünglich religiöser Natur, schöpften aber auch aus der Literatur, wie am Beispiel von Sir John Everett Millais’ berühmter Ophelia (aus Shakespeares Hamlet) zu erkennen ist. Beeinflusst von den Theorien John Ruskins, widmeten sie sich auch dem eingehenden Studium der Natur. Dieses Buch stellt anhand der Schlüsselwerke der Präraffaeliten ihre reaktionären Prinzipien, ihre schillernden Farben, ihr Interesse an Liebe, Tod und Natur und ihren enormen Einfluss auf den Symbolismus und weitere spätere Kunstrichtungen vor.

Ein weiterer Band der preiswerten Reihe (vgl.a. "Jan van Eyck", in dieser Nr.) in der bekannte Kunsthistoriker (E. Rebel ist bekannt als Verfasser einer Dürer-Biografie, zuletzt BA 5/00) in einzelne Kunstepochen und -gattungen einführen. 20 einleitende Seiten vermitteln einen Kurzüberblick über die Geschichte des Selbstporträts; anschließend werden in chronologischer Folge 35 Kunstwerke auf je einer Doppelseite ganzseitig abgebildet und erläutert. Attraktive 1. Einführung ins Thema, mit überzeugender Auswahl, die die großen Klassiker der Gattung einschließt. (1 S)

Kunst-Epochen – Von Anfang der 30er Jahre an versuchen einige Künstler suchen die psychoanalytischen Erkenntnisse Sigmund Freuds über das Unbewusste auf die Kunst anzuwenden und entwickeln Methoden, um den kontrollierenden Verstand auszuschalten und die Erlebnisfähigkeit zu erweitern. Sie zeigen die Hintergründigkeit der Dingwelt, indem sie die traditionelle Formensprache bruchstückhaft oder verzerrt übernehmen und in einen ungewohnten Zusammenhang bringen.

Die früheste gotische Kunst stammt aus dem Frankreich des 12. Jahrhunderts und verbreitete sich bis ins 15. Jahrhundert in ganz Westeuropa. Der gotische Stil, der vier Jahrhunderte lang die europäische Ästhetik prägte, war sowohl in der Architektur, insbesondere in Kathedralen und Kirchen, als auch in den Künsten – Malerei, Skulptur, Glasmalerei, illuminierten Manuskripten und Fresken – von Bedeutung. Die gotische Kunst war überwiegend religiös, dunkel und emotional, geprägt von Intensität und logischem Formalismus. Die spätere gotische Periode, bekannt als Internationaler Stil, war ein Vorläufer der Renaissance. Zu den Künstlern zählen: Giotto di Bondone, Duccio di Bouninsegna, Dieric Bouts, Robert Campin, Cimabue, Petrus Christus, Barthélemy d’Eyck, Jan van Eyck, Andrea da Firenze, Jean Fouquet, Nicolas Froment, Hugo van der Goes, Jaume Huguet, Stefan Lochner, Ambrogio Lorenzetti, Simone Martini, Meister Bertram, Meister Franke, Meister der Glatzer Madonna, Meister des Paradiesgartens, Meister der Heiligen Veronica, Meister Theoderich, Meister des Wilton-Diptychons, Meister Wittingau, Hans Memling, Lorenzo Monaco, Lukas Moser, Michael Pacher, Martin Schongauer, Rogier van der Weyden, Konrad Witz.

Geschichte, Künstler und Kunstwerke des Dadaismus, des Symbols für die damalige Krise der modernen Kunst.

Diese Anleitung zur Konzeptkunst verfolgt die Themen und Anliegen der ersten Generation von Künstlern, die an der Gründung der Bewegung beteiligt waren. Sie enthält einen Aufsatz, der die historischen Grundlagen der Konzeptkunst und deren Beziehung zu den dominierenden Ästhetiken der 1960er Jahre, insbesondere zur modernistischen Theorie von Clement Greenberg und seinen Anhängern, untersucht.

Der Kubismus knüpft als Kunstrichtung an die nachimpressionistische Malerei an und enstand 1907 in Paris. Cézannes Ausspruch, alles in der Natur wäre auf die geometrischen Formen Kubus, Kugel, Zylinder und Kegel zurückzuführen, wurde zum Leitsatz dieses Kunststils.

Укутанная снегом земля расстилается под свинцовым небом. Несмотря на мороз, люди колют дрова, выгоняют скот... Начиная с одного из первых европейских пейзажей, содержащихся в "Роскошном часослове герцога Беррийского" (ок. 1410-1416), книга Норберта Вольфа прослеживает развитие пейзажной живописи вплоть до стилизованных абстрактных изображений поп-арта. Пейзаж в искусстве отнюдь не является простым отражением природных ландшафтов. В истории пейзажной живописи находит свое выражение история видения и восприятия, которая привносит в живопись некую социальную составляющую. Живопись остается тем экраном, на который вплоть до наших дней проецируются человеческие желания, надежды и страхи.

Einführung in die Kunst der Romanik mit 35 Beispielen zur Malerei und Skulptur.

Der Barock, oft assoziiert mit prunkvollen Perücken und überladenen Gemälden, ist mehr als nur eine Epoche langweiliger Romane über Adelsgeschichten. Er steht auch für eine Zeit der visuellen Pracht, in der allegorische Bildsprache und opulente Inszenierungen dominieren. Genrebilder und Stillleben gewinnen an Bedeutung, während Architektur, Skulptur und Malerei zu Gesamtkunstwerken verschmelzen. Anstelle der harmonischen Perspektiven der Renaissance erleben wir eine Welt voller Dynamik und spektakulärer Darstellungen. Dieser Stil beeinflusste Kunstformen und Disziplinen zwischen dem 16. und 18. Jahrhundert, wobei Malerei, Bildhauerei, Architektur und Musik eine unmittelbare, gefühlsbetonte Ansprache des Publikums fanden. Diese Ausgabe der TASCHEN Basic Art-Reihe widmet sich der Malerei des Barock, die Ländern wie Spanien und den Niederlanden ihr „goldenes Zeitalter“ brachte. Sie untersucht die Werke bedeutender Barockkünstler wie Poussin, Carracci, Caravaggio, Velázquez, Rubens und Rembrandt und analysiert, welche Darstellungsformen von der Renaissance übernommen und weiterentwickelt wurden. Zudem wird erörtert, was in Bezug auf Komposition, Erzählweise, Raumdarstellung und Lichtführung neuartig ist. Kurz gesagt: Was ist das Besondere am Barock?

Ein weiterer Band der preiswerten Reihe (vgl. z.B. "Griechische Kunst", BA 9/07), in der bekannte Kunsthistoriker (von denen N. Wolf einer der profiliertesten ist, zuletzt BA 5/08) in einzelne Kunstepochen und -gattungen einführen. 20 einleitende Seiten vermitteln hier einen Kurzüberblick über "Naturansichten und Weltentwürfe" der Landschaftsmalerei; anschließend werden in chronologischer Folge 35 Gemälde auf je einer Doppelseite ganzseitig abgebildet und erläutert. Attraktive 1. Einführung ins Thema, die in dieser Preisklasse praktische keine Konkurrenz hat. (1 S)

Die künstlerische Bearbeitung einer überbordenden Bilderflut durch das Medium Fernsehen tritt zeitgleich mit der Entstehung der Pop Art zu Beginn der 60er Jahre auf. Die ersten Arbeiten im Bereich der Video-Kunst verstehen sich damit auch als Kritik am neuen Medium. Frühe und bedeutende Künstler sind u.a. Wolf Vostell und Nam June Paik, zeitgenössische u.a. Bill Viola und Bruce Naumann.

Eine neue Sicht menschlicher Gestalt - die Suche nach dem exemplarischen Menschen, seinen Eigenschaften und seiner sozialen Stellung- war für die Griechen das zentrale Thema der bildenden Kunst und wurde damit auch Träger und Vermittler von Werten und Normen der Gesellschaft. Die Darstellung des Menschen in der griechischen Kunst war in allen Jahrhunderten stets das Spiegelbild dessen, wie die Griechen sich selbst sahen.

Einführung in die altägyptische Kunst anhand von 35 Beispielen.

Einführung in den Realismus, die eine breite Palette von Namen und Ausprägungsformen von Realismen im 20. Jahrhundert nachweist.

Setting up a still life may take no more than gathering a few objects on a table, but infusing its depiction with depth, texture, feeling, and even beauty takes great skill. This book explores a selection of still lifes from the 15th century to the modern day, revealing the historical importance and creative possibilities of this genre.

ich muss mich dem hingeben, was mich umgibt , mich vereinigen mit seinen wolken und Felsen , um das zu sein, was ich bin. Die Einsamkeit brauche ich für das Gespräch mit der Natur. Caspar David Friedrich Um 1800 propagierten Philosophen, Literaten und Künstler in Deutschland unter dem Stichwort des Romantischen ein neues Weltbild. In ihm kamen sowohl die göttliche Beseeltheit der Natur und das Eintauchen individueller Phantasie in kosmische Zusammenhänge als auch die tiefe Einsamkeit der schöpferischen Psyche und die daraus resultierende Sehnsucht nach Harmonie zwischen Mensch und Welt zum Ausdruck

1884 erschien in Paris ein Kultbuch des Fin de siècle, das als Sensation in der europäischen Kulturszene gefeiert wurde. A rebours (Gegen den Strich) von Joris-Karl Huysmans wurde zum verführerisches Brevier der Dekadenz, das gegen den „banalen“ Naturalismus antrat. Der Symbolismus, der bis tief in die Moderne weiterwirkte, war ein künstlerischer Religionsersatz, ein spirituell aufgeladener Schönheitskult. Ein symbolistisches Bild, eine symbolistische Skulptur bleibt absichtlich rätselhaft: Anstelle des intellektuellen Verstehens will das Werk, dass der Betrachter seine geheimnisvolle Tiefe wie eine Vision nacherlebt. Kein Wunder, dass Symbolisten einige der faszinierendsten Kunstwerke ihrer Zeit hervorbrachten.

Die grossen Stars der Pop-Art und ihre Kunst sind kompakt in diesem Buch zusammengefasst. Insgesamt 35 der bedeutendsten Werke werden auf je einer Doppelseite präsentiert. Fotos und Kurzbiographien der Künstler ergänzen die Übersicht. Ein umfangreicher Text berichtet einführend über Ereignisse aus Politik, Kultur, Wissenschaft und Sport der 50er und 60er Jahre, die Glanzzeit der Pop-Art. Vervollständigt wird die Auswahl durch einen Ausblick auf die künstlerischen Erben – so bleiben auch Jeff Koons oder Sigmar Polke nicht unerwähnt.

Der Futurismus ist eine 1909 in Italien entstandene radikale Bewegung der Avantgarde, die eine neue, den Anforderungen des modernen Lebens entsprechende Kunst zu schaffen suchte. Fünf Maler gehörten zu diesem Kreis: Boccioni, Carrà, Russolo, Balla und Severini. Durch die Zerlegung des Farbauftrages in kleine, nebeneinander gesetzte Tupfen, die sich erst im Auge des Betrachters mischen, entsteht der Eindruck von Simultanität und Bewegung, welche mit Elementen des Dynamischen wie Lichtbündelung, vibrierende Konturen und phasenhaft wiederholte Formvariationen ergänzt wurde.

This book brings together a colorful mixture of various works focusing on themes of the fantastic and surreal, starting with B?cklin's ""Toteninsel"" and including Dorothea Tanning, Max Ernst, Hans Bellmer's dolls, the Australian painter Sidney Nolan, Giger's monsters, Cattelan's pope, and the Chapman brothers? hybrids, as well as surreal painting from Magritte and Delvaux, the mystical and sensual work of Gustav Klimt, and Frida Kahlo's dreamlike self-portraits. Artists Balthus, Hans Bellmer, Arnold B?cklin, Fernando Botero, Maurizio Cattelan, Jake and Dinos Chapman, Salvador Dal?, Paul Delvaux, Peter Doig, Alfred Kubin, James Ensor, Max Ernst, Ernst Fuchs, Frida Kahlo, Gustav Klimt, Joan Mir?, Sidney Nolan, Odilon Redon, Dorothea Tanning, Franz von Stuck, Andrew Wyeth.

Die Renaissance wird von Friedrich Engels als die „größte progressive Umwälzung“ bezeichnet, die die Menschheit bis dahin erlebt hatte. Sie brachte einen enormen Modernisierungsschub, der alle Lebensbereiche erfasste. Der demutsvolle Mensch des Mittelalters verwandelte sich in den selbstbewussten „faber mundi“, der die Welt begreifen und gestalten wollte. Ab dem 14. Jahrhundert verbreitete sich die Renaissance von Italien aus über ganz Europa, mit Florenz, den Niederlanden und Deutschland als geistigen Zentren. Die Bewegung war stark vom Humanismus geprägt, der den Menschen als „Maß aller Dinge“ in den Mittelpunkt stellte und die mittelalterlichen Lehren hinter sich ließ, um die eigene Epoche durch eine Rückbesinnung auf antike Ideen neu zu gestalten. Künstler beschäftigten sich intensiv mit Anatomie und Geometrie, entwickelten die Zentralperspektive und strebten nach naturalistischer Darstellung. Dieser Band skizziert eine der faszinierendsten Epochen der europäischen Kunstgeschichte, in der sich die schöpferische Kraft des Menschen in nie dagewesener Form entfaltete. Die Namen großer Künstler wie Fra Angelico, Michelangelo, Raffael und Leonardo da Vinci sind bis heute Legenden und stehen für den kreativen Aufbruch dieser Zeit.

The 20th century saw art go abstract. Where once clear certainties and indisputable forms prevailed, now anarchy seemed to reign supreme. Sensibilities diffused into strange new shapes, colors assumed new significance, lines abandoned literal meaning. Dive in and discover some of the most dynamic and progressive art of modernity.

Im Land der Erde als Leinwand begannen in den 60er Jahren Künstler in den USA und Europa, Werke für Orte außerhalb der engen Grenzen von Galerien und Museen zu planen. Es begann mit vergänglichen Verschönerungen oder Spuren, die in verlassenen Landschaften, in den Wüsten Amerikas oder in den Mooren Schottlands hinterlassen wurden. Darauf folgten spektakuläre Erds skulpturen von gigantischen Ausmaßen, von denen einige bis heute im Entstehungsprozess sind. Ein herausragendes Merkmal der Land Art ist die kritische Auseinandersetzung mit der Tradition der Skulptur. Skulptur kann nun eine Erdarbeiten-Ausgrabung, ein Feld aus Metallstangen, eine begrabene Hütte, eine Spur im Gras oder sogar ein Buch sein. Eine weitere Besonderheit der Bewegung ist die Betonung von ortsspezifischen, im Freien geschaffenen Werken, die unsere Wahrnehmung von Orten nachhaltig verändern und neue Parameter in der Kunstproduktion und -rezeption setzen sollen.

In geografischer Folge von Ost- nach Südafrika ist die Herkunft der vorgestellten Objekte gegliedert, deren religiöse oder gesellschaftliche Zusammenhänge erläutert werden.

Detailed introduction to Dadaism with 30 photographs plus timeline of most important political, cultural, scientific and sporting events. Body of book contains 35 of most important works of epoch with interpretationand artist biography.